LA CROÛTE     

Physiologie et Charge

De la perception d’une peinture -comme de toute autre pratique créative- naît un flot de sentiments qui vont de l’extase à la désolation. C’est immédiat. Les qualificatifs ne manquent pas  : génial, sublime, puissant, intéressant, osé, délirant, angoissant, laid, repoussant, lassant, répétitif… Mais il s’agit bien là de termes destinés à évoquer instinctivement la première impression au contact des oeuvres de musées, de collections, d’exposition rétrospective ou de salon d’art contemporain.

Il n’en va pas de même pour la croûte, ne serait-ce que parce qu’elle est fatalement inqualifiable. C’est ce que nous voulons expliquer.

On peut être ébloui ou consterné par la vision d’une bonne ou d’une mauvaise peinture, mais l’appréciation de cette dernière ne peut se réaliser qu’à la mesure des propriétés d’une production comparable.Or, si l’on peut comparer entre eux les chef-d’œuvres, comparer une croûte à l’un de ces derniers ne semble pas très objectif. Enfin la comparaison d’une croûte avec l’une de ses semblables apparaît comme une tautologie, même à l’heure du retraitement des déchets.

On sait les difficultés et l’arbitraire des jugements formulés à propos de l’art d’une manière générale. On sait , en matière de critique, le peu d’espace pour le tangible et par conséquent, la part dominante du discours spéculatif. Pourtant, il appert – pour réduire l’espace de  subjectivité – que le recours à l’appareil formé par l’Histoire de l’art et par l’esthétique (de Platon à J.F.Lyotard) des littératures critiques, de différentes  données cognitives relatives au sujet, demeure en somme l’issue la moins subjective à la formation d’un jugement esthétique, d’une connaissance élargie et approfondie, d’un fondement efficace contre l’arbitraire des discours oiseux, des spéculations vagabondes, sentimentales , émotives ou démagogiques généralement entendues autour des productions artistiques.

La question des critères par lesquels se formule la reconnaissance de l’œuvre d’art authentique contre l’imposture, l’œuvre anesthétique, trouve en la parole des spécialistes , des réponses convergentes. Lorsque Paul Valery commente « l’esthétique c’est l’esthésique » on pourrait dire qu’on reconnaît la présence de l’art à l’affectivité. Autre point, la liberté qui elle seule pourrait assurer  la condition d’un travail artistique en émancipant l’artiste des entraves politiques, sociales et matérielles. Mais rien n’est moins sûr. Gides observait que les règles asservissent bien moins qu’elles ne libèrent. Force est de constater en effet l’apparition de grands artistes, voire de mouvements les consacrant, émerger pendant les périodes politiques les plus oppressantes de l’Histoire. Alors donc, comment dégager le quid propriun de la forme esthétique pure? Emmanuel Leroux* se demandait si le caractère du « faux art » ne résidait pas dans sa banalité, en observant la délectation du grand public dans les clichés, la facilité, les chromos, une certaine tradition ; ce que l’on pourrait appeler aujourd’hui la culture prescrite, relayée pour les presses locales et nationales dont les protagonistes (journalistes) sont eux mêmes acquis ou vendus aux potentats de la marchandise culturelle.

Tolstoï faisait également remarquer que le critère de l’art était dans la contagion affective:  il faut effectivement une convergence mentale pour pouvoir affirmer qu’il s’agit d’une œuvre universelle. Balzac, à qui l’on doit le terme de croûteum  dans les « scènes de la vie parisienne » déclarait que les grandes œuvres, subsistent par leur coté passionné. Quant à Poussin, il notait déjà que le signe de l’art était la délectation. Pour Léonard c’était l’émerveillement. Delacroix pensait qu’un tableau digne de ce nom devait prendre à la gorge celui qui l’admirait. La preuve de l’art résiderait donc bien en ce point de convergence, celui de l’extase, de la joie intérieure, imposant tour à tour le silence, le recueillement, puis parfois aussi le discours critique. Sur la croûte: rien.

Le représentant en croûte n’a que faire de ces données. Il peint, il barbouille, il a fait quelques musées, comme, ainsi que le faisait remarquer Edgar Morin, un touriste fait l’Espagne. Il aménage son « coin atelier », ordonne son matériel, entretient ses brosses, fait encadrer ses chef-d’œuvres, renouvelle son adhésion à l’amicale ou à l’association du quartier en espérant cette fois, décrocher un prix, et songe à sa prochaine toile. Ses thèmes favoris sont le paysage, la nature morte, le nu féminin, la copie de maîtres, le psychédélique, l’abstrait. Parfois il se risque au portrait. Il sait que la peinture obéit au doigt et à l’œil, mais, alors que l’artiste place sont œil avant sont doigt, si l’on me permet la formule, le peintre amateur fait exactement l’inverse. Il vérifie que son modèle ressemble bien à sa toile…. Et procéderait bien, si il était chirurgien -parfois l’est-il- à quelques retouches cosmétiques sur son modèle. Comme l’adage populaire le recommande : « il vaut mieux faire envie que pitié », on est plus à l’aise avec Rubens ou Boucher qu’avec Egon Schiele ou Kokoschka, même si l’on a fini par reconnaître l’audace de leur style; c’est quand même plus simple avec Ingres ou Cabanel